Seine ersten Tracks komponierte der Pariser Electromusiker Flavien Berger auf einer Playstation 2. Seitdem hat sich einiges getan im Sound und im Handwerk Bergers. Über sein erstes Album „Léviathan“ sagte man zum ... Beispiel, es klänge so, als hätten sich Gainsbourg, Kraftwerk und Jean-Michel Jarre auf einem Jahrmarkt getroffen und gemeinsam Musik gemacht. Das trifft die Sache ganz gut, denn Berger beherrscht eben das Laszive eines Gainsbourg, den kühlen Groove Kraftwerks und die akustische Überwältigung Jarres. Diese und andere Komponenten verwebt er aber zu einem Sound, der zugleich tanzbar und hirnsprengend ist und der ihm immer wieder das Prädikat „psychedelisch“ einbrachte. Im März kommt Berger für zwei weitere Termine nach Deutschland mit seinem neuen Album „Contre Temps“.

Ende der 70er Jahre waren die Specials die coolste Band der Welt – und eigentlich hat sich das bis heute nicht geändert. Die verbliebenen Originalmitglieder Terry Hall (Sänger), Horace Panter (Bassist) und Lynval ... Golding (Gitarre) strahlen auch im deutlich höheren Alter noch immer diese Rude-Boy-Coolness aus, die immer zwischen stylischem Charme und der „Auf’s Maul!“-Attitüde der britischen Working Class schwankt. Auch der klassische von Ska und Reggae beeinflusste Sound entzieht sich des Alterungsprozesses und klang schon damals zeitlos gut. Hits wie „Ghost Town“, „Too Much Too Young“, „Concrete Jungle“ und „Rat Race“ funktionieren deshalb musikalisch wie eh und je – und bieten zugleich lyrisch im Kurz-vor-Brexit-Zeitalter genügend Andockpunkte. Und dann wäre da noch dieser eine Song, den man dieser Tage häufiger singen möchte: „If you have a racist friend / Now is the time, now is the time for your friendship to end / Be it your sister / Be it your brother / Be it your cousin or your, uncle or your lover.“
Im Frühjahr kommenden Jahres hat man nun noch einmal die Chance, The Specials live in Deutschland zu sehen.

Über das letzte Album von Paul Kalkbrenner – „Parts Of Life“ – schrieben einige Kritiker, er vertone sich darauf selbst. Ein schönes Kompliment, vor allem, wenn man weiß, dass Kalkbrenner auf seinem achten ... Album genau das vorhatte. Die 15, nicht chronologisch geordneten Songs, die allesamt nur aus dem Wort „Part“ und einer Kapitelnummer bestehen, sind dann auch ebenso facettenreich, wie man sich das Leben eines international erfolgreichen Künstlers so vorstellt. Und sie laden zu wilden Interpretationen ein: Was löste die fast jazzigen Vibes aus, die mit „Part Eleven“ das Album eröffnen? Ist man bei den dunklen Bässen von „Part Seven“ mitten im Kater, den die wilde Zeit um den Erfolg mit „Berlin Calling“ ausgelöst haben dürfte? Fragen, die jeder für sich beantworten muss, denn Kalkbrenner lässt lieber die Musik sprechen. Zum Beispiel auf seiner Tour ab Februar 2019.

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Soap&Skin im April 2019 mit neuem Album „From Gas to Solid / you are my friend“ auf Tour

Die Stimme der Wienerin Anja Plaschg gehört zu den eindringlichsten, die man im Pop so finden kann. Unter ihrem ... Künstlernamen Soap&Skin hat sie schon mit „Lovetune For Vacuum“ in 2009 und „Narrow“ in 2012 das Leben, Leiden und Lieben seziert. Ihr neues Album „From Gas to Solid / you are my friend“ – ihr erstes in sechs Jahren – greift die ewig währende Sinnsuche erneut auf und kleidet sie in einen Sound, der von orchestraler Grandezza bis zu emotionalem Minimalismus reicht, da es manchmal kaum mehr braucht als ihre Stimme und ein Klavier. Aufgenommen, arrangiert und produziert hat Plaschg die neuen Songs in ihrer Wohnung in Wien. Ein intimes Setting und eine selbstbestimmte Arbeitsweise, die zeigt, mit was für einer Ausnahmekünstlerin und -produzentin man es hier zu tun hat. Live wachsen diese schon großen Songs jedoch noch einmal über sich hinaus, da Soap&Skin noch jedes Konzert zu einer ergreifenden Teilhabe an ihre manchmal dunklen Seelenwelt gemacht hat. Im April kommenden Jahres wird man wieder die Chance habe, sie live zu sehen.

Rodrigo Sánchez und Gabriela Quintero verwischen seit Jahren die Grenzen zwischen klassischem Gitarrenspiel, Flamenco, Jazz, Folk und sogar Heavy Metal. Das aus Mexiko stammende Duo, das als Rodrigo y Gabriela firmiert, ... spielt seit 1999 auf diversen Alben und vor allem dutzenden Konzerten ein stetig wachsendes Publikum schwindelig. Die beiden legen dabei ein Bühnencharisma und eine Virtuosität an ihren zwei Flamenco-Gitarren an den Start, die ihresgleichen suchen. Und wer mal zu Songs wie dem neuesten „Cumbé“ oder zu ihren Hits „Diabolo Rojo“ oder „Tamacun“ geschwoft, getanzt oder vielleicht sogar gemoscht hat, der wird garantiert wiederkommen und verstehen, wie sie vom gemeinsamen Spielen in einer mexikanischen Metalband zu ihrer jetzigen Karriere gekommen sind.

Es ist schwer, die Musik des jungen Engländers auf ein Genre festzunageln. Oscar Jerome hat zwar klassische Gitarre und Jazz in London studiert und wird gerne für moderne Jazz-Festivals gebucht, aber eigentlich greift ... das ein wenig zu kurz. Er selbst sagte dem Clash-Magazin im letzten Jahr: „Meine Musik ist definitiv vom Jazz beeinflusst, aber eben auch von HipHop, Punk, west-afrikanischer Musik und Soul.“ Andererseits störe ihn das „Jazz“-Label gar nicht mehr so, da dieser gerade wieder einen sehr guten Ruf hat. Recht hat er – denn dank vieler junger Musiker wie ihm, Moses Boyd, Kamasi Washington, BadBadNotGood oder den Sons of Kemet, weiß man inzwischen wieder, dass Jazz eine der wagemutigsten und freiesten Musikrichtungen around ist – und mitnichten Hotelbar-Gedudel. Bei Oscar Jerome kommt zum guten Package noch hinzu, dass er eine butterweiche Bariton-Stimme hat, die zum Beispiel seine jüngste Single „Misty Head / Sunny Street“ aufs Schönste veredelt. Ende April hat man nun die Gelegenheit, Oscar Jerome live in Deutschland zu sehen,

Wer die aktuelle Single der Songwriterin aus New York hört, wähnt sich auch im grausten Winter plötzlich in dem Land, deren Namen der Song trägt: „Mexico“.
Austers rauchig laszive Stimme, eine Geschichte von ... Sonne, Staub und gefährlichen Liebschaften, eine nostalgische Film-Noir-Stimmung und dazu diese unwiderstehlichen Mariachi-Bläser – man kann sich gar nicht dagegen wehren, direkt in Austers Welt zu tauchen und mit ihr in einem alten Cabrio über den Grenzübergang zu rasen. Diese Liebeserklärung an ihre Kunst ist übrigens ausdrücklich nötig, damit nicht wieder alle nur schreiben: Paul Austers Tochter macht auch Musik. Denn klar ist sie die Tochter des sehr guten Schriftstellers und der noch viel besseren Schriftstellerin Siri Hustvedt, aber Sophie Auster ist eben auch eine faszinierende Schauspielerin und Songwriterin, die schon im Teenageralter Jazz-Standards performte. Zuletzt zu hören 2015 auf ihrem Album „Dogs and Men“.
„Next Time“, das am 15. März 2019 erscheint, führt diesen Entdeckerdrang noch ein wenig weiter und schlägt völlig selbstverständlich einen Bogen von „Mexico“ zu hypnotischem Crooning auf „Tom C“, und verrauchtem traurigen Jazz wie in „Black Water“.

Er ist einer jener Songwriter, die man nur mit einer Gitarre in der Hand überall hinsetzen könnte: Nick Mulveys Saitenspiel, sein stilles Charisma und seine Stimme – warm, melodisch, nuanciert – würden dem Briten ... schon reichen, um ein Publikum zu finden und zu verführen. Aber die Musik, die er im Studio aufnimmt, kann mehr als das. Schon sein Debüt „First Mind“ mit seinem Hit „Fever To The Form“ und vor allem das Nachfolgealbum von 2017 „Imogen“ waren voll von Rhythmen, Instrumenten, Stimmungen, die man bei einem Briten nicht unbedingt erwartet hätte. Wenn man jedoch weiß, dass Mulvey eine Weile in Kuba Kunst studiert hat und später in London Musikethnologie wundern seine weitreichenden Einflüsse und Klangreisen gar nicht mehr. Jüngstes Beispiel davon ist das wundervolle U2-Cover „Moment Of Surrender“, das er im Februar veröffentlichte: Fängt an wie eine klassische Gitarrenballade und macht sich dann auf in andere Sphären - mit Handtrommeln, flötenähnlichen Keyboards und Chorelementen. Ob Mulvey darüber hinaus noch neue Musik im Köcher hat, weiß man zwar gerade noch nicht, aber das sollte niemanden abhalten, ihn im Mai live zu erleben.

Ihre Präsenz ist geheimnisvoll und betörend zugleich: Drei Individuen im Halblicht, versteckt unter tiefsitzenden Kapuzen, in rhythmischen Bewegungen gefangen oder katzengleich durch den Nebel und das spärliche ... Scheinwerferlicht schleichend. Das isländische Trio aYia hat in den letzten Jahren immer häufiger die heimische Szene in und um Reykjavík verlassen, um ihren dunklen Electropop auf europäische Bühnen zu bringen. 2018 erschien endlich das selbst betitelte Debütalbum, auf das man schon seit den Singles „Water Plant“ und „Ruins“ gewartet hatte. Die Gruppe vermisst in ihrer Musik nicht weniger als die Grenzen der weltlichen Existenz, legen über zersplitterte Soundsphären, wehmütig gehauchte, mal suchende mal klagende Vocals. Das Album erschien bereits im November, aber im Mai schaffen es aYia endlich mal in unsere Gefilde - und zwar an einen Ort, der wie für die Musik geschrieben scheint: die Kantine im Berghain.

Als die ersten UK-Daten der Gods of Rap vor gut zwei Wochen verkündet wurden, ging eine kollektive Schnappatmung durch das Internet. Der Wu-Tang Clan? Public Enemy? De La Soul? Gemeinsam auf einer Bühne? WTF! Dabei ... wurde fast vergessen, dass mit DJ Premier gleich noch ein weiteres Rap-Schwergewicht an Bord ist: Der Kult-HipHop-DJ und -Produzent („Gang Starr“) wird als Host des Abends fungieren. Man muss wohl heute selbst keinem Trap-Kid oder Backpack-Rapper erklären, welchen Status diese drei Acts haben. Der Wu-Tang Clan (RZA, GZA, Method Man, Ghostface Killah, Inspectah Deck, U-God, Raekwon, Masta Killa, Cappadonna) mit seinen schillernden Charakteren und seinem aggressiven Rap, der in Sachen Wut so manchen Punksong in die Tasche steckt und einen düsteren Surrealismus in sich trägt, wie man ihn bisher im HipHop nicht gekannt hatte. Ihr Debüt „Enter the Wu-Tang (36 Chambers)“ aus dem Jahr 1993 gilt zurecht als heiliger Schrein der Rapkunst - um mal in der Göttermetaphorik zu bleiben. Public Enemy wiederum wurden schon 1988 zum Sprachrohr des schwarzen Amerikas und verschreckten mit ihrem kraftvollen, brillianten, programmatischen „It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Down“ so manches Weißbrot. Ein Jahr später legten De La Soul mit „3 Feet High And Rising“ ein Albumdebüt vor, das mittlerweile in vielen hochkarätigen „Beste Alben aller Zeiten“-Listen mindestens in den Top 50 rangiert und geradezu leichtfüßig einen arschcoolen, sanften Flow über jazzige Beats streichen lässt - in Perfektion zum Beispiel bei „Potholes In My Lawn“ und natürlich „Me, Myself & I“. Bei den wohl jetzt schon legendären Gods of Rap-Konzerten spielen alle drei angeblich überwiegend Material von den hier genannten Alben - und kommen zum Glück auch für eine exklusive Show nach Deutschland. Ein Muss für jeden Rap-Fan also und eine klare Ansage: „Bring da motherfuckin' ruckus“ in die Wuhlheide!

Am 17. September verkünden Rammstein auf ihren Websites: „Fast fertig! Aufnahmen von Orchester und Chor in Minsk für das siebte Studioalbum.“ Dazu veröffentlicht die Band zwei Fotos der Session und ein Zitat aus ... ihrem Song „Adios“, das auch die Arbeitsanweisung für Rammstein sein könnte: „Geigen brennen mit Gekreisch, Harfen schneiden sich ins Fleisch.“
Seit fast 10 Jahren warten Rammstein-Fans nun schon sehnsüchtig auf den Nachfolger des Albums „Liebe ist für alle da“. Kein Wunder, dass die Ankündigung neuer Musik wie ein Lauffeuer durch die internationalen Medien ging. Nun legen Rammstein noch einmal nach: Parallel zum Erscheinen ihres bisher unbetitelten neuen Albums (Frühjahr 2019), spielen Rammstein ab Mai 2019 die erste Stadiontournee ihrer Geschichte. Wer die dramatischen, perfekt inszenierten Liveshows der Band kennt, mag zwar gedacht haben es ginge nicht mehr größer, aber bei Rammstein kann man sicher sein, dass die Band auch für diese, nun noch gewaltigeren Bühnen, Außergewöhnliches geplant hat!

Als im Februar 2018 „Phase“, das Debütalbum der Australier, erschien, fand der britische Guardian in seiner sehr positiven Kritik die schöne Beschreibung, Mildlifes Musik sei „virtuose Space-Jazz-Magie“. Das ... trifft den Sound des Quartetts aus Melbourne sehr gut. Improvisierte Rhythmen, ein geradezu magisches Zusammenspiel der jungen Musiker, krautiges Keyboard-Gewobble und immer wieder Melodien, die einen bis ins Beteigeuze-System schießen, wo man dann auf schillernden Soundsphären dahingleiten kann.
Klingt hochtrabend, wissen wir, aber man höre sich einfach mal ihren neuesten Wurf – die elfminütige Single „Phase II“ an – und man weiß schon, was gemeint ist. So virtuos und hirnerweiternd Mildlifes Musik auch auf Platte klingen mag, sollte man sich ihnen dennoch auch einmal live aussetzen. Da kommt zu all dem nämlich noch ihr leidenschaftliches Bühnenzusammenspiel hinzu, bei der man manchmal gar zu sehen glaubt, was die vier Herren da oben gerade so denken und fühlen, während sie das Publikum virtuos mit ihrer Space-Jazz-Magie einfangen.

Auch wenn man sich bei diesem Namen und dieser Musik eine glanzvolle femme fatale vorstellt, die im Abendkleid über den Turntables schwebt und mit perfekt manikürter Hand lässig diesen stilvollen Klangcocktail aus dem ... Diamantenarmreif schüttelt: bei L’Impératrice handelt es sich um eine sechsköpfige Band, die so richtig mit Instrumenten spielt. Allerdings hätten die jungen Musikerinnen und Musiker durchaus ihre Freude an diesem Bild. Denn zum einen kann man den bisweilen an Daft Punk erinnernden modernen Disco-plus-Irgendwas-Sound der Franzosen mit allem Recht als stilvoll bezeichnen und zum anderen sind sie große Freunde von Kino und Kopfkino. Sie selbst nannten in einem Interview mal LCD Soundsystem, Daft Punk und den französischen Filmkomponist François de Roubaix als ihre Einflüsse. Passt ganz gut, was jeder bezeugen wird, der sich zum Beispiel ihre letzten Tracks „Geisha“, „Matahari“ und „Vacances“ angehört hat. Hierzulande waren L’Impératrice bisher noch nicht so übermäßig präsent, aber nun haben sie endlich auch zwei Deutschland-Shows im Visier.

Thank god for Brexit! Ok, der Einstieg ist ein wenig reißerisch. Natürlich ist der Abschied der Briten aus der EU eine der großen politischen Tragödien dieses Jahrhunderts – und das, was der Engländer „bloody ... stupid!“ nennen würde.
Aber immerhin haben wir es dem Brexit zu verdanken, dass Damon Albarn seine Heldenrunde The Good The Bad And The Queen über zehn Jahre nach ihrem selbstbenannten Debüt wieder zusammengebracht hat. „Das Referendum hat etwas in mir ausgelöst“, erklärte Albarn kürzlich dem NME. „Den Drang, mein eigenes Heimatland verstehen zu wollen.“ Behilflich sind ihm dabei wieder Afrobeat-Legende Tony Allen an den Drums, Ex-The-Verve-Gitarrist Simon Tong und Paul Simonon – der ehemalige Basser von The Clash, der heute auch ein etablierter zeitgenössischer Künstler ist. Ihr neues Album „Merry Land“ ist das Ergebnis dieser Sinnsuche und ein schaurig schönes Sezieren von Patriotismus, Gentrifizierung und Populismus. Albarns Stimme klingt wütend und traurig zugleich, Allens Drum-Rhythmen bilden den Konterpart dazu, Simonons Bass hält das Schiff auf Kurs und Simon Tong wagt mit seiner Gitarre auch mal den Tanz mit Albarns Schweineorgel oder dunklen Streichern. Passend zum vollzogenen EU-Austritt der Briten werden The Good The Bad And The Queen im Juni zwei Clubshows spielen – und dafür hoffentlich kein Visum brauchen.

»Silent Alarm« von Bloc Party aus dem Jahr 2005 ist nach wie vor eines der stärksten Debüts der jüngeren Musikgeschichte. Und es ist erstaunlich gut gealtert. Man höre nur diesen Wahnsinns-Opener »Like Eating ... Glass«: die langsam anschwellenden Gitarrensounds, die Snare, die leise Alarm schlägt, bis dann nach 30 Sekunden dieser unfassbare Drum- Groove kickt und schließlich Kele Okereke dramatische Stimme erklingt: „It's so cold in this house / Open mouth
swallowing us / The children sent home from school / Will not stop crying.«
Schon da ist alles drin: das Treibende, das Abgründige, das Hymnische und natürlich das Charisma einer Ausnahmeband. Und wahnsinnig gute Songs wie das hektische »Helicopter«, die Überhits »Banquet« und »This Modern Love« und schließlich der melancholische Rausschmeißer »So Here We Are«, der ganz am Ende noch einmal das Tempo rausnimmt und einen mit Gänsehaut zurücklässt. Nach dieser Lobeshymne freuen wir uns besonders, ankündigen zu dürfen, das Bloc Party genau dieses Album im Juni bei drei exklusiven Deutschlandshows in voller Länge und in all seiner Schönheit spielen werden – und am Ende sicher noch eine Handvoll jüngerer Hits draufpacken werden.

Héloïse Letissier ist nicht weniger als ein Popstar mit Weltformat. Unter ihrem Künstlernamen Christine And The Queens hat die Französin in ihrem Heimatland schon längst die höheren Chartplatzierungen erreicht. Ihr ... Debütalbum „Chaleur Humaine“ verbindet Chanson, zeitgemäßen Pop, Jazz-Eleganz und eine Theatralik, die noch aus der Zeit ihres Schauspielstudiums stammen dürfte. Angeblich wurde Héloïse in dieser Zeit von einer befreundeten Gruppe singender Drag Queens überredet, ihrer Stimme zu vertrauen und sich als Sängerin auf die Bühne zu wagen. Mit den französisch- wie englischsprachigen Hits „Tilted“, „Christine“, „Saint Claude“ und „Science Fiction“ hat sie mittlerweile eine große Fanschar um sich versammelt. Dabei verbinden diese Lieder viele Altersklassen und Geschmäcker, weil sie einer jungen Indie-Hörerin ebensoviel bieten wie einem Chanson-Connaisseur mittleren Alters, der einen Soft Spot für gute Popmusik hat. Trotzdem muss man Christine And The Queens vor allem live sehen: Ihre Wandlungsfähigkeit und Eleganz sorgte zum Beispiel schon dafür, dass Elton John die Bühne mit ihr teilte.

Den Titel seiner Song-Anthologie meint Paul Heaton natürlich schon auch ironisch – andererseits muss man zugeben, dass der britische Sänger und Songwriter uns einige ganz wundervolle und höchst erfolgreiche Popsongs ... beschert hat. Das tat er als Kopf von The Housemartins und The Beautiful South ebenso wie mit seinen Soloaufnahmen oder seiner späteren Zusammenarbeit mit Ex-Beautiful-South-Sängerin Jacqui Abbott. Eine Auswahl davon hat er nun im vergangenen November unter dem schönen Namen „The Last King Of Pop“ veröffentlicht. Angefangen bei der ersten Housemartins-Single „Flag Day“, über deren Überhit „Me And The Farmer“, zu The Beautiful Souths „Manchester“ und „Perfect Ten“ bis zum neu aufgenommen Stück „7“ Singles“ mit Abbott findet man perfekten Pop im Dutzend in dieser Sammlung. Nun hat Heaton bekannt gegeben, dass er im Sommer auf Tour geht und auch in Deutschland Station machen wird: Sollte man nicht verpassen, wenn man auch der Meinung ist, dass ohne Heaton der Gitarrenpop ein wenig farbloser gewesen wäre.

Eddie Vedder hat für den Sommer 2019 eine Reihe von Konzerten in Europa angekündigt. Diese Tour wird den Pearl Jam Sänger unter anderem nach Berlin und Düsseldorf bringen.

Die Solo-Konzerte des Pearl ... Jam-Frontmanns geben seinen Fans die Möglichkeit sich auf einer ungewohnt persönlicheren Ebene mit seinen Songs, Stimme und Geschichten auseinanderzusetzen. Bei vergangenen Solo-Auftritten durchmischte er sein Programm gekonnt mit neuen Interpretationen von Pearl-Jam-Classics („Better Man“, „Just Breathe“ etc.), Coverversionen der Werke seiner musikalischen Vorbilder und Ausflügen in seine Solowerke. Diese Konzerte bieten also nicht nur die Gelegenheit einem der größten Sänger und Songwriter der jüngeren Rockgeschichte in vergleichsweise intimer Atmosphäre zu lauschen, sondern auch die einzigartige Möglichkeit einen Einblick darin zu gewinnen was eine Musiklegende wie Eddie Vedder inspiriert und antreibt.

Eddie Vedder ist seit 1990 Frontmann bei Pearl Jam. 2007 veröffentlichte er mit dem Soundtrack zum Film Into the Wild sein Solo-Debüt und gewann für den Song „Guaranteed“ einen Golden Globe. Vedders zweites Solo-Album, Ukulele Songs , erhielt 2012 eine Grammy-Nominierung für „Best Folk Album“. Am 7. April 2017 wird Vedder als Mitglied von Pearl Jam in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

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Die Tickets für Eddie Vedder werden ausschließlich personalisiert verkauft. Personalisiert bedeutet, dass jedes Ticket an nur eine Person gebunden ist, die namentlich auf diesem erwähnt ist. Diese Person ist Inhaber des Besuchsrechts und nur diese erhält Zutritt zur Veranstaltung.
Es besteht eine Limitierung auf maximal 4 Tickets pro Kunde.
Die Personalisierung der Tickets sowie die beschränkte Ticketanzahl geschieht aus Gründen der Fairness und zur Vermeidung eines Zweitmarkts, auf den Tickets oftmals zu überhöhten Preisen angeboten werden. Durch diese spezielle und bewusste Regulierung des Vorverkaufs, soll möglichst vielen Fans die Möglichkeit gegeben werden, Tickets zu fairen Preisen zu erwerben.
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Es war eine kleine Sensation als sich Ed Kowalczyk (Vocals, Gitarre), Chad Taylor (Gitarre), Patrick Dahlheimer (Bass) und Chad Gracey (Drums) im vergangenen Jahr im Studio einfanden, um ihre Band Live in ... Originalbesetzung wiederzubeleben. Satte 12 Jahre waren vergangen, seit ihrem letzten gemeinsamen Album „Songs From Black Mountain“. Kowalczyk hatte Live 2009 vorübergehend verlassen, um seine Solokarriere anzuschieben. Nun ist er in den Schoß jener Band zurückgekehrt, die uns seit Gründung Anfang der 90er Rock-Klassiker wie „I Alone“, „Lightning Crashes“, „All Over You“ und „Selling The Drama“ beschert hat.
Eine weise Entscheidung, denn ihre Comeback-EP „Local 717“, die im Herbst 2018 erschien, zeigt die Herren aus York, Pennsylvania in Topform. Der Opener „Love Lounge“ ist zeitlose, treibende Rockmusik mit einem Kowalczyk, der sich hörbar wohlfühlt in seiner alten Rolle. „Brother“ wiederum zeigt, dass das Wort „Power-Ballade“ kein Schimpfwort sein muss.
Ob ein vollständiges Album kommt, steht gerade noch in den Sternen, aber zumindest können wir schon jetzt verkünden, dass Live am 1. Juli ein, pardon, Live-Gastspiel im Berliner Astra Kulturhaus haben werden.

Man muss diesen Mann natürlich nicht mehr vorstellen. Der Sänger, Gitarrist und Songwriter von Radiohead ist allein durch den unantastbaren Status seines Hauptarbeitgebers allgemein bekannt. Seine Soloprojekte sind ... allerdings mindestens genauso spannend. Da weiß man nämlich nie so ganz, in welche Richtung die Reise gehen wird. Sein letztes Gastspiel in Deutschland im Juni war zum Beispiel ein visuell und soundästhetisch beeindruckendes Electro-Konzert, bei dem Yorke zum Live-Mix von Hausproduzent Nigel Godrich sang und tanzte, während der Künstler Tarik Barri die hirnsprengenden Visuals besorgte. Yorkes jüngste Veröffentlichung lässt jedoch darauf schließen, dass die zwei Deutschlandshows im Juli 2019 damit nicht mehr viel zu tun haben werden. „Suspiria“ ist ein überwiegend auf Klavier, Streicher und Gesang setzender Gang in die Abgründe der Seele. Der Soundtrack zum Horrorfilm gleichen Namens von Luca Guadagnino mischt ergreifende Instrumentalstücke mit Balladen, die Thom Yorke in Bestform zeigen, gerade wenn er sich dabei mal nur auf Klavier und Stimme beschränkt, wie bei „Suspirium“ – einem Lied, das dermaßen intim und unmittelbar wirkt, dass man sich direkt an Yorkes Seite wähnt. Eine Nähe, die der Künstler nicht oft zulässt. Wie immer hält sich Thom Yorke also bedeckt, wie genau seine Soloshow aussehen wird, aber – und darauf wollten wir hinaus: Besonders wird es in jedem Fall.

Das letzte Album von Janelle Monáe wird wahrscheinlich in zahlreichen Jahrescharts zu finden sein. Denn „Dirty Computer“ ist ein schillerndes, bisweilen geniales, haltungsstarkes Pop-Album, wie man lange keines mehr ... gehört hat. Die Songwriterin, Produzentin und Schauspielerin („Hidden Figures“, „Moonlight“) sorgte schon mit den Prince-Vibes der Vorab-Single „Make Me Feel“ für Aufsehen, was auch an dem Video dazu lag, in dem man Monáe an der Seite von „Westworld“-Star Tessa Thompson sieht. Stücke wie „Pynk“, ihr Duett mit Grimes, das sie im Video in ihren inzwischen weltberühmten „vagina trousers“ singt, oder „Screwed“ feat. Zoë Kravitz waren ähnlich unwiderstehlich – und erneut zugleich sexuell aufgeladen und hochpolitisch. Live war sie in der Vergangenheit hierzulande nur höchst selten zu sehen, deshalb freuen wir uns sehr, dass Janelle Monáe im Juli 2019 nach Deutschland kommen wird. Man darf gespannt sein, was diese so stimmgewaltige und so visuell arbeitende Künstlerin da auf die Bühnen bringen wird.

Es ist schon wunderbar mit diesem Mark Oliver Everett und seinem Lifetime-Projekt Eels. Irgendwie weiß man bei ihm immer, was man kriegt – und andererseits schlägt er trotzdem noch den einen Haken, den man nicht hat ... kommen sehen. Das gilt für sein Songwriting ebenso wie für seine unberechenbaren Live-Shows.
Sein letztes Album ist ein gutes Beispiel für diese These: Da gibt es gleich mit dem Opener und Titelstück „The Deconstruction“ diese mit Geigen verzierten tiefschürfenden, tiefgroovenden, tieftönenden Popsongs, die immer wieder in Hollywood-Filmen landen und schon seit dem Eels-Debütalbum und dessen Hit „Novocaine For The Soul“ eine Spezialität sind. Da gibt es knochentrocken groovendes wie „Bone Dry“ und den klassischen Songwriter, der für „Premonition“ kaum mehr braucht, als eine Akustikgitarre, seine Stimme und eben diese pointierten, poetischen Texte.
Eels-Konzerte wiederum sind eine andere Geschichte: Man weiß, dass man einen Haufen toller Songs bekommt. Aber allein in den letzten zehn Jahren konnte es passieren, dass Everett diese entweder mit Vollbart im Jogginganzug als Rockstampfer rausfeuert, wahlweise lesend und singend und klavierspielend durch den Abend führt oder auch mal ein eher klassisches Konzert mit Bandbesetzung spielt. Was es im Spätsommer werden wird? Das verraten wir natürlich nicht …